Directores de Videoclips 3: Jonathan Glazer

Jonathan Glazer (izqda.) aceptando el premio Icon en lo UK Music Video Awards (2008) (Foto de Suzan Bradshaw Moore)

Jonathan Glazer (Londres, 1966) es uno de los más renombrados directores de publicidad y videoclips de la actualidad. También es el director de los largometrajes “Sexy Beast” (2000), “Reencarnación” (“Birth”, 2004). Es, de hecho, el único de los referenciados en la colección “The Work of Director” (The Directors Label-EMI, 2003) al que le voy a dedicar un artículo de esta serie. Y no porque el resto no se lo merezcan (Gondry, por ejemplo, merecería un blog entero dedicado sólo a él; ¡y creo que tiene varios!), sino porque es relativamente fácil acceder a los DVDs de la colección (yo tengo los siete, más algún otro que no llegó a editarse, además del ya mencionado DVD suplementario, autoeditado, de Gondry) y resultaría un tanto reiterativo de lo dicho mil veces. Así pues, prefiero centrarme en un puñado de directores cuyo trabajo me encanta, pero que, por el motivo que fuere, han resultado ser relativamente desconocidos (al menos, hasta que muchos de ellos han dado recientemente el salto al largometraje).

Pero no puedo pasar por alto a Glazer, al que considero un ejemplo claro de la tendencia actual en el videoclip europeo. Igual que el estilo (en materia de vídeos, porque en lo demás, no se parece lo más mínimo) de Mark Romanek define muy bien la estética del videoclip estadounidense (a pesar del propio Romanek): planos generales y medios muy breves, con demasiados movimientos de cámara, contando un “pseudo-historia”, de forma cronológica pero no lineal; esto es, con constantes disgresiones que sirven para introducir, bien generales del grupo tocando en conjunto, bien medios pegados a cámara del/la cantante o alguno de los músicos destacados; bien primerísimos planos del instrumento con mayor presencia en ese momento; o bien, escenas pretendidamente ilustrativas del contexto en que transcurre esa historia (narraciones satelitales de unos pocos segundos); con una iluminación perfecta, pero plana, y unos colores saturados y fuertemente contrastados para un marco ya de por sí colorista; donde el grupo es el foco de atención durante todo el vídeo y prima el movimiento físico (cuanto más enérgico, por no decir compulsivo, mejor). No hay posiciones de cámara ni angulaciones raras, salvo, en su caso, en primeros planos en los que el cantante pueda dirigirse a cámara. Los cortes, que antes se hacían coincidir siempre con los golpes de percusión (lo que Gondry parodió en el ya mítico “The Hardest Bottom To Bottom” de los “White Stripes”) han alcanzado tal velocidad (raro es el plano en montaje de más de dos segundos) que actúan más por saturación que por impresión (excepción hecha de los patéticos vídeos de rap). Un escenario rocambolesco e injustificado, cuando no simplemente una soleada calle californiana, es el marco en el que se desarrolla la acción, que casi nunca excede de los cuatro minutos y medio, más una breve intro. ¡Y luego está lo de los chavalines…! (lo que también parodió Johan Renck en “Crystal”, de “New Order”).

Glazer, por el contrario, define la tendencia actual en la publicidad y el videoclip de nuestro continente: dos opciones: a) contar una historia, y subordinar los recursos del vídeo a ella; b) ceñirnos a un recurso, a modo de “gag”, y sacarle todo el jugo posible durante el vídeo (el “gag”, cuanto más sencillo, mejor). Hay que decir que Glazer tiende a optar bastante más por este segundo recurso en sus videoclips, y por el primero en publicidad y otros trabajos.

A nivel técnico, la realización se come al grupo: desaparece la banda tocando (si no completamente). Si sale el grupo, es interpretando algún tipo de papel. La letra es una mera sugerencia, más bien “inicial”, de lo que será el contenido del vídeo (nada de “pato pato”). Cámara fija o montada sobre grúa o cabeza caliente para facilitar la abundante postpo. Movimientos de cámara escasos y fluídos. Poco contraste en escena, con una iluminación difusa (que no mortecina), acentuado todo ello en postproducción. En los vídeos desaparece el colorido. Uso constante de blancos, negros, verdes oscuros, azules y grises. Nada de colores cálidos (y, si aparecen, lo hacen fugazmente y desaturados). Un uso de los claroscuros como no se había visto desde el cine expresionista. Subordinación de los actores al escenario en que se encuentran (por lo general, una calle vacía de una gran ciudad o una sala o recinto extraño al que no se explica qué ha llevado a los personajes). La temática es, si no siniestra, sí excesivamente seria (cuando no sarcástica), y en ella se omiten buena parte de las explicaciones, para que el espectador rellene con su propia perspicacia (es lo que decía Jean-Claude Carrière, coguionista de “Reencarnación”: <<los relatos de la gente de su generación son muy “elípticos”; no te explican muchas cosas que suceden porque se presupone una cultura suficiente para rellenar los huecos y lo contrario parececía un menosprecio al espectador>>).

Tras estudiar diseño teatral, comenzó su carrera como montador, editando trailers y promos para televisión, y como director teatral, al tiempo que dirigía algunos cortometrajes. A mediados de los noventa comienza a dirigir numerosos anuncios para televisión y a colaborar con varios grupos británicos de la nueva hornada (“Radiohead”, “Massive Attack”, “Blur”, “Jamiroquai”, “UNKLE”…) aunque su principal ocupación sigue siendo el mundo de la publicidad.

http://www.vimeo.com/7364311

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